SMITH/KOTZEN

(Black Light/White Noise)

La unión de estos dos maestros en principio alejados musicalmente, ya que si pensamos en Adrian Smith se nos viene a la mente una vertiente mas heavy, mientras que si pensamos en Richie Kotzen la mente nos inspira un hard rock cercano al blues, está dando unas frutos realmente brillantes. Más allá de una reunión de virtuosos, esto es la fusión de dos almas libres que sienten la musica de una manera muy natural. Si la química surge solo hace falta dejar fluir temazos como los que nos vuelven a ofrecer en este “Black Light/White Noise”.

Un disco fuera de categoría que de nuevo funde el alma de ambos guitarristas con majestuosidad, pero no solamente en el plano instrumental. En el plano vocal es más que destacable el juego que dan los dos. Si bien Richie posee más esa cualidad de cantante, hay que destacar cuando le toca aparecer lo que transmite en un tono más grave, pero no menos envolvente, la voz de Adrian. Sin egos que prevalezcan por encima de otros. Ambos se ponen al servicio de las canciones para transmitir desde el inicio con “Muddy Water”, con un tinte muy blues, aunque siempre están cerca de un sonido mas duro y hard rockero, como apreciamos en el propio “White Noise”. Incluso en “Black Light” asoma una melodía muy Thin Lizzy. “Darkside” lleva un aura un tanto más Bon Jovi en su lado mas cercano a “Blaze Of Glory”, un medio tiempo con toque desértico.

Pero la banda no deja de lado la dureza en temas como “Life Unchained” o “Blindsided”. Cabe destacar que dentro de un disco que no tiene esa esencia comercial, las melodías que trazan las voces de ambos músicos tiene gancho. Para muestra el estribillo de “Wraith”. “Heavy Weather” es una buena muestra de la unión que logran entre el blues y un sonido mas duro y pesado. “Outlow” es un elegante hard rock con aroma ochentero. Y la clase de ambos talentos no desaparece hasta el final de la obra con un sugerente “Beyond The Pale”.

Un remate tan sublime como toda una obra de hard rock con sabor a blues que desde la naturalidad y la crudeza de un espíritu tradicional rezuma un aroma rejuvenecido. Pero sin esta trampa de las superproducciones actuales. El disco recoge toda la calidez de unos músicos de carne y hueso que lejos de alardear de sus grandes cualidades musicales de forma gratuita las utilizan para ponernos la piel de gallina con temas que calan muy hondo.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

Sello: BMG

ELBERETH

(Omen)

La dedicatoria de este álbum a sus amigos fallecidos en 2023 Andoni Zabaleta e Igor Iñurrategi impregna esta quinta obra de Elbereth de un sentimiento muy especial. No es que todos los temas hagan referencia explícita a ellos, pero en general creo que es un disco que aumenta el sentimiento que ya poseían sus discos pasados. La banda guipuzcoana sigue ahondando a nivel sonoro en un sonido más extremo, ya marcado en sus pasados trabajos, aunque puede que este haya adquirido una mayor profundidad y oscuridad. La obra se acompaña de un libro con el que podemos entender muchas de las cosas que se nos cuentan en los temas, con momentos descriptivos de lo que han sido los 20 años de historia del grupo y a su vez el reflejo de algunaS inquietudes.

“Omen” nos introduce en la obra arrancando con un descriptivo “Gau Ilun Batean” que nos pone en sobre aviso de lo que viene. Unas melodías que entroncan con el death melódico de marca sueca. Una buena forma de entrar en la obra antes de meternos en estructuras más complejas como la de “Sorginak”. La banda sigue cerca de un heavy metal más estándar, aunque siempre le dan esa zapatilla thrash metalera. Así se plasma en “Bidelagun” o “Jarraitzaile Bila”, este con un toque más rabioso, pero sin perder momentos en los que la voz de Iker traza melodías más limpias.

“Apostasia” es un tema muy completo, ya que aúna en su seno cierta reminiscencia de los clásicos Elbereth, aunque a su vez con el grosor de los Elbereth actuales, más rudos. Con ello se desmarcan de influencias que antaño parecían más claras, como los siempre mencionados cuando de una banda de metal en euskera se habla Su Ta Gar. Pero la voz de Aitor Gorosabel sigue encajando muy bien en un tema de Elbereth, como muestra un “Begi Izkutua” donde su registro se hace inconfundible.

La parte final del disco redobla la emotividad, y es que “Izarrak”, con su melodía nos toca la fibra sensible, mientras que estremece lo que un tema que no deja de ser potente como “Argia Itzali Da” puede transmitir. Un tema en el que se refleja todo el sentimiento puesto en esta obra por parte de una banda que da otro importante paso para que los veamos por méritos como una de las bandas más importantes que tenemos en Euskal Herria en estos momentos.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

T-TREINTAYCUATRO

(40)

La historia de T-TreintayCuatro se remonta al año 1983, cuando se formaron bajo la denominación de T-34. La banda vivió en apenas un par de años una intensa y corta historia que les llevó a parar debido al servicio militar de su batería José Ruiz, para el que no encontraron sustituto. La espina siempre estuvo ahí clavada por parte de José que acabó por retomar la banda en 2019, en principio con la idea de conocer cómo sonaban en la actualidad aquellos temas de los 80, pero finalmente, con el beneplácito de los antiguos miembros T-TreintayCuatro comenzó a andar y en 2021 ya nos presentaron “Reignición” como nuevo trabajo de pleno derecho, rescatando temas de la vieja época e incorporando ya temas nuevos.

La banda se conforma en la actualidad por José Ruiz en la batería, Elena Sanchez en el bajo, Luis Romero en la guitarra, Ion Ruiz en la guitarra y Alberto Hernando en la voz. Un quinteto de sólido heavy metal que hace ya una demostración de músculo desde el himno que abre esta obra “Heavy Metal”. Así de directos y transparentes. A pesar de la macarrería que desprende el tema se deja notar una gran trabajo instrumental, con excelentes puentes y una pareja de guitarras bien empastada. La solidez de la banda es clave en temas con el impacto de “Imparable”, pasando por temas algo más oscuros como “NY5”. “T34” es una auto homenaje a estos años de nueva andadura, sin desfallecer la obra en temas como “Egos”, siempre transmitiendo mucha fuerza. “K.E.P.A.” es una muestra más palpable, si cabe, del corazón que estos chicos ponen en lo que hacen y de la hermandad que se desprende de su forma de entender la musica. “Némesis” sigue aderezando la solidez de la banda, mientras que en “Terrorvision” sacan su vena mas punk, al menos en cuanto a mensaje se refiere, porque realmente la banda suena siempre como una implacable mole metalera. El disco se cierra con un tema instrumental muy especial que nos ayuda a digerir el empacho metálico previo. Un tema relajado de teclados y violonchelo con la colaboración de Paula Gutiérrez que es una guinda antagónica al resto del disco que, precisamente por ello, destaca tanto como reposo final a todo un torrente de contundencia que es este “40”.

Un disco que hace referencia a todos los años de andadura de la banda y también un homenaje a todos aquellos viejos heavies que pusieran las bases para que hoy sigamos disfrutando a tope de la musica que nos apasiona. Pero a pesar de la clásica forma de entender el heavy metal por parte de T-TreintayCuatro cabe destacar que su música, con una producción más actual en estos tiempos, encaja a la perfección en pleno siglo XXI. Una muestra clara es el rescatado “Señor De La Tinieblas”, original de 1984 e incluido en este disco, que entronca perfectamente con sus hermanos en una obra de palpitante heavy metal. Para escucharlo y, sobre todo, para sentirlo.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

Sello: The Fish Factory (www.thefishfactory.es)

KING SAPO

(El Dios De América)

Tercer disco de estudio de King Sapo afianzando un estilo propio y personal que con la voz de Jesua Trujillo no podemos dejar de emparentar con lo que fue una banda que nos dejó tanta huella como Eldorado. Pero si ya habían venido alejándose aquella esencia más setentera y elaborada con su dos primeras referencias, esta tercera si cabe se aleja un poco más, con temas más directos y también haciendo avanzar un paso mas hacia la modernidad un rock que viniendo de las fuentes mas tradicionales adquiere un toque plenamente actual en la obra.

Actuales son también los temas que trata, ya que el propio título de la obra y el tema homónimo es una declaración contra el capitalismo voraz, aunque no cabe duda de que nos va a venir cierto personaje a la cabeza. Si es que hasta la portada parece hacer referencia a cosas que han ocurrido posteriormente a la salida del disco como los incendios de California. “No Terminó” es un ejemplo de los matices que la banda aporta dentro de composiciones directas, con aportaciones de segundas voces femeninas que son un plus de elegancia, envuelto todo ello por un hipnótico teclado. Toda una explosión de rock es “Hasta Nunca”, con la colaboración de Carlos Tarque, que evidentemente le va como anillo al dedo al estilo de King Sapo. Otra colaboración es la de Gabriel de Shinova en “Tren En Una Postal”, cuyo cálido registro envuelve este medio tiempo con tinte sureño. Luminoso se desarrolla un “Llegado Aquí” que insufla mucha energía, los puentes de esa limpia guitarra sobre ritmos vibrantes son un chute de fuerza renovada llegados al ecuador del disco. Si la banda siempre emociona, especialmente resulta hiriente “Invisible”, con un tinte dramático que funde de forma magistral letra y música. “El Holograma” crea un intrigante ambiente, con la voz entrando muy en primer plano sobre un inicio más susurrante hasta que estalla con un ritmo que nos transporta por una lírica de tinte muy transcendental. “Polución” es otro ejemplo del peso crítico que han ganado unas canciones más directas y comprometidas en este disco. Ese tinte slade de la guitarra acrecienta el tinte americano que posee la música de la banda. Nos sorprende con un final sicodélico de percusiones, voces y ritmo que no esperábamos, con un solo de guitarra espectacular. La vena setentera sigue aflorando. Y el disco cuenta con una versión de “Trouble So Hard” de Vera Hall que King Sapo plasma con personalidad y buen gusto en este trabajo.

No puede ser de otra manera, puesto que estamos ante una banda que de cada acorde saca una calidad que va mucho más allá del virtuosismo y la elaboración que pueden darle a sus canciones. “El Dios De America” es un disco directo de rock, pero en el que también se explota la originalidad por parte de unos músicos de talento que todo lo que moldean lo pulen con clase y elegancia.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

DANNY VERAS

(Can´t Stop The Rock)

Uno no deja de escuchar música y aun se sorprende con lo que encuentra a su paso. Danny Veras no es para nada nuevo en esto. Este vocalista nacido en Brasil, hijo de padre brasileño y de madre española, llegó a afincarse en Cataluña, donde formó sus primeros grupos. Ahora, afincado en Estados Unidos, nos presenta su tercer trabajo en solitario, haciendo piña, como ya hizo en sus pasados trabajos, con el reputado músico y productor Paul Sabu, que se encarga de guitarra rítmica y coros en este “Can´t Stop The Rock”. Además, cuenta en la banda que ha registrado el álbum con otros grandes músicos como Linkan Andersson a la guitarra (Secret Society o Tony Mills), Barry Sparks al bajo (Dokken, Michael Schenker, Ted Nugent, Yngwie Malmsteen, etc.) Con estos ejecutores lo que nos encontramos es con un clásico trabajo de hard rock de contrastada calidad.

Ni reinventa el estilo, ni lo pretende, pero tenemos 12 temas muy variados que se hacen tan adictivos como el inicial “Rock Or Die”. Toda una declaración de principios que mete un rollo en el cuerpo propio de los clásicos del mismo Bon Jovi. Es una influencia que me parece bastante clara en Danny, aunque su voz tiene una riqueza de matices que te saca de un encasillamiento concreto. Lo apreciamos en temas como el siguiente “Playin´ With Fire”, que sigue la estela del anterior, añadiendo leña la potencia del principio del disco. El himno “Can´t Stop The Rock” se viste de gala con unos coros carnosos que endulzan la agradable escucha del tema. “I Wan´t You Forever” es una balada que me ofrece cierto regusto a Skid Row, mientras que “Keep The Faith” es un medio tiempo con cierto regusto sureño y mucha esencia AOR. “Devil´s Garden” es otra balada en la que sobresale el aspecto más cálido de la voz de Danny, que en estos tonos medios me llega a recordar a Bruce Dickinson. Resulta de nuevo adictivo un “Come Back To Me” de pegadizo estribillo, con un gran solo de guitarras. Frente a un tema de gancho directo como el anterior llega un soberbio medio tiempo como “It´s Crazy”, donde Danny saca otros matices a su voz, que no deja de sorprender en cada nuevo recodo de este viaje musical. “Darlin´” sigue en una linea muy profunda donde unos acordes básicos dan rienda suelta a que con un tono melancólico la voz de Danny dibuje sobre un lienzo en blanco con esa libertad que se echa de menos en los discos más modernos. Esta claro que este chico ha bebido mucho de los 80 e incluso de los 70.“Misery” conjuga teclados con unas guitarras muy lucidas, con la voz de Danny sonando especialmente elegante. Los puentes de guitarras del tema son espectaculares y nos transportan entre tramos cantados con una tremenda naturalidad. Puro hard rock pegadizo tenemos en el gamberro “Rich Woman”, claro single del disco. Y para cerrar nos deja un “First Strike” donde la voz se hace más robusta, con un estribillo muy ochentero escoltado por unos teclados que refuerzan su intensidad.

Tiene una producción moderna, pero el espíritu de la obra es claramente ochentero. En ese aspecto es un disco al que poco más le pueden pedir los clásicos del hard rock más puro de aquella década dorada. Buenas canciones, con mucha variedad, que van desde el hit mas ligero que busca noquearte de entrada, pasando por matizados medios tiempos y alguna balada de las que enternecen el corazón hasta del rockero más duro y tatuado. Todo ello con un gran sonido y mimado en matices que enriquecen la escucha. Si te gusta el rock duro en su máxima expresión, tan tradicional como universal, “Can´t Stop The Rock” de Danny se adapta a tu talla seguro.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

SAVAGED

(Rising)

No están perdiendo el tiempo estos catalanes formados en 2021, habiéndose colado ya en diversas giras y festivales internacionales y editando ya con este “Rising” su segundo trabajo discográfico, precedido del debut “Night Stealer” y del EP “Knights Of Metal”. Recalco la reciente creación de la banda porque tanto por estética como por sonido el grupo parece haber viajado en el tiempo cogiendo un DeLorean y apareciendo ante nosotros. Si esta sensación la tienes escuchando su música os aseguro que viéndolos en directo aun se incrementa mucho más.

Pero ahora lo que nos ocupa es este “Rising” cuyo título bien parece una declaración de intenciones por parte de un grupo que se encuentra precisamente en ascenso. Su techo dependerá de la cantidad de público que añore un sonido revival absoluto, porque nada nuevo vas a encontrar en su música, pero precisamente ese es el encanto de Savaged. Ser capaces de captar de una manera tan auténtica ese espíritu.

Ya la intro nos hace añorar los años ochenta, recordando esos discos que marcaban desde el inicio con una presentación que en estos tiempos de consumo rápido y de temas sueltos parecen haber quedado en desuso. “Ascension” empasta perfectamente con “Fire It Up”, tema con pegada, eludiendo de momento la velocidad, aunque tirando ya de agudos por parte de Jamie Killhead, que aparte de vocalista mete unos muy buenos punteos, luciéndose en solos de guitarra y con perfecta sintonía para doblar algunos riffs, como mandan los cánones, con su compañero Joan Grimalt.

La banda se nueve en esa fina linea que separa el hard del heavy metal, hasta con algún toque glam en temas como “Queen Of My Salvation”, “The Long Walk” es un tema heavy y afilado, haciendo gala de un excelente trabajo en puentes de guitarra entre estrofas, clave para que pese a estar hablando de una banda muy tradicional no caigan nunca en una monotonía que no va con ellos. Se hace divertida la escucha, con temas como “Across The Burnig Fields” tirando de diferentes matices en unas voces que en algunos falsetes y partes más complejas recuerdan lejanamente a King Diamond. Mas elaborado es aun “The Conqueror”, muy cambiante e imprevisible. “Stars Are Falling” coge un tinte muy épico, con un carácter muy de himno con sus accesibles melodías. “Texas Bloody Texas” arranca con el sonido del motor, recordando a Judas Priest, aunque luego el tema coge un aire muy americano, con cierto aroma de Lizzy Borden. Y la obra se cierra con el galopante “Rising”, en el que destaca una voz más grave y en el que se me vienen a la mente bandas de puro alma metalera del otro lado del charco como Jag Panzer. Es una buena referencia para entender por dónde se mueven Savaged estilísticamente. Nada de añadidos a lo que es el inquebrantable y joven espíritu de nuestra música, que sigue conquistando almas y que en estos tiempos invade el cuerpo de los músicos de Savaged.

Uno de los grupos más recomendables ahora mismo si buscas precisamente el viejo aroma de los 80 del hard & heavy. Pero hecho con dinamismo y grandes destellos que hacen de la escucha de este “Rising” algo muy ameno y no anquilosado.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

KILLWOLF

(Farándula De Terror)

7´5/10

Killwof siguen con las ideas muy claras en este segundo disco, continuista y afianzador de su debut “La Hora Del Miedo”. Ya la propia presentación del disco lleva la advertencia, “Mas Miedo Que En El Anterior”, aunque lo que habría que decir es que tenemos más heavy metal, sin complejos y sin mayores adornos. La banda plasma en este “Farándula De Terror” ese buen gusto melódico por unas guitarras de trato muy maideniano, en ocasiones con cierta reminiscencia a Tierra Santa, tal vez porque Dan Diez se hace cargo de la producción simplemente porque la propia influencia directa de los riojanos siempre han sido Iron Maiden.

Killwolf siguen apostando por la licantropía como eje visual de un trabajo de espectacular portada, obra de Juan Ramón Felipe, que también hace un guiño directo a lo que encontramos dentro de la obra. No hablamos solo de ficción o mitología, sino que la banda guipuzcoana cuenta con letras muy críticas con la sociedad. Eso se refleja en “Condenado”, con solo de Dan Diez, haciendo un uso muy inteligente de la mitología en el caso de las dos partes de Licaón “Acto 1 Licaón Rey De Arcadia” y “Acto 2 Herederos De Licaón”. Haciendo suya la historia del rey que fue convertido en lobo por Zeus la banda nos ofrece un par de temas perfectamente hilvanados en base a guitarras marca de la casa, con melodías fácilmente coreables y muy enfocadas a los directos.

De hecho, la banda es todo un espectáculo en vivo y parece que todo se construye de cara a pasarlo bien cuando el grupo está sobre las tablas, tanto arriba como abajo. Por ejemplo “La Voz Del Rock” es un himno que uno puede imaginar en una sala hecha un clamor sin mucho esfuerzo. El homónimo de la obra es una descripción cruda de la actual sociedad, mientras que el trotón “Hijo Del Dragón” es otro tema destinado a ver una sala con puños en alto.

La intro maideniana de “Elegidos” se funde con “Malditos” con unos acordes iniciales que guardan reminiscencia con la pequeña instrumental anterior. Una reivindicación de los que nos identificamos con el heavy metal como una forma de vida que cuenta con la colaboración de Jorge Berceo (Zenobia), convirtiendo a este en el himno de la obra. Los aires de batalla con los que arranca “Moctezuma” crean el escenario ideal para el reivindicativo texto que nos ofrece. “Ni Cielo Ni Infierno” es una oda a la unión, a la superación de diferencias y un canto al amor que no por rebajar el ritmo general de la obra deja de ser un tema heavy de mucha pegada.

En definitiva, puro heavy metal hecho con corazón y compromiso, puede que no enfocado a grandes logros comerciales, pero convencido de sí mismo por parte de una banda donde se deja notar la experiencia de los componentes en bandas previas como Mandrágora Negra o Krait. El caso es que sin buscarle tres pies al gato son canciones muy bien construidas, plasmadas con un limpio sonido, que transmiten mucha pasión y que un heavy de vieja escuela, entiendo, no dejará de disfrutar. Y ni se te ocurra perdértelos en vivo si tienes ocasión para entender todo lo que supone Killwolf.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

CICONIA

(Synaesthetic Garbage)

9/10

La sinestesia es un fenómeno por el cual un sentido puede hacer que a su vez se estimule otro. Por ejemplo, puede que alguien que escucha musica perciba colores. En ese sentido se orienta esta nueva obra maestra instrumental, con un título que me parece de los más adecuado para abarcar la cantidad de matices que ofrece la propuesta progresiva de los pucelanos. Y es que ni con la mención de todos los colores posibles podríamos entender el abanico de emociones que abre ante nosotros Ciconia sin palabras y en su habitual formato de trío. Se sobran para poner de nuevo ante nosotros un mosaico de emociones sonoras maravillosas.

Dentro del progresivo la banda hace hincapié en temas que sin mucha duración condensan mucha cantidad de matices y virajes. Con una base muy dura, pero con destellos de sensibilidad que no dejan de aflorar, percibiendo con un sonido limpio cada detalle de los instrumentos. Así se abre el disco con “The Yellowish”. El dinamismo es total a lo largo del disco, con temas en los que proliferan los cambios de paisajes sonoros como “Sea Of Ardora”. Es clave la cantidad de cambios de ritmo que ofrece una obra que suena armoniosa, pero que siempre te saca de lo previsible, como refleja el potente y oscuro “Purple Harmonies”.

La banda ha asentado a lo largo de los discos un sonido reconocible, se han ido alejando del heavy metal más clásico de sus comienzos para entrar en sonidos más modernos, con unos riffs más pesados como los de “The Deepest Blue” o “Amber Madness”. “The Grey Almost Black” es un tema oscuro, aunque siempre acentuando cada matiz para no dejar de ofrecer contrastes entre la fuerza y la sensibilidad, el caos y la armonía. Todo eso se funde con un pleno sentido en la musica de Ciconia, como se refleja también en “White Sweetness”, casi como la otra cara de la anterior.

Tras el potente “Burning Red” llega un corte plagado de melodías como “The Green Alien”, con cierto regusto a trabajos de hace años. Y cierra un “Crimson Farewell” en el que se realza el tono hipnótico de la banda, con cierta sensación más reflexiva en una obra con una vistosidad que hace honor a su título. Es como si entre todos los tonos que ofrece la realidad, que en su gran mayoría nos pasa desapercibida, hubiera algo que llama especialmente la atención de nuestros sentidos por un brillo superior a todo lo demás. Entre esos destellos especiales que encontramos en nuestro día a día aparece este “Synaesthetic Garbage” captando nuestros sentidos.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

Sello: Art Gates Records

TIERRA SANTA

(Un Viaje Épico)

7/10

Dicen que tras un directo llega un cambio de timón en la carrera de una banda, pero cuando se trata de un grupo que lleva un destino tan firme como Tierra Santa una nueva obra de los riojanos no puede ser más que otra plasmación de fidelidad en forma de canciones marca de la casa. “Un Viaje Épico” a estas alturas no resultará una sorpresa, pero siempre tiene ese toque de evolución natural de una banda que poco a poco se ha ido dejando influir por sonidos algo mas hard rockeros que en los comienzos, con el propio poso de madurez que van dejando los años.

Evoca la banda ahora mismo un aroma mas setentero en una producción cruda y natural, algo que refleja el homónimo tema que se abre con teclado y voz de Ángel, que de forma sosegada nos introduce en la obra hasta el que el tema estalla. “Mañana” nos brinda uno de los estribillos marca de la casa antes de que el disco, lejos de relajarse apriete el acelerador con “Inmortal”, con una linea más heavy en este caso. Ello enlaza con el épico “Excalibur”, a la que Tierra Santa rinde su particular homenaje. El medio tiempo “Ícaro” evita que el disco caiga en una linealidad. Y es que si lo analizamos al final la obra tiene alicientes muy diversos. No reinventa nada, pero parece abarcar todo lo que Tierra Santa ha sido a lo largo de casi tres décadas. Así “El Regreso De Un Héroe” parece mirar a discos pretéritos. No diría de la primerísima época, pero algo hace que se me vengan a la mente momentos de un disco tan clásico como “Sangre De Reyes”. “Solo Hay Un Camino” lleva una onda similar al anterior, pero un riff seco y rockero nos envuelve en un potente y directo “Renacer”. Cuando esas guitarras se envuelven por los teclados nos recuerda a discos de ese aura más Rainbow en su vena más potente. En la onda mas hard rockera y accesible nos podemos encontrar con el melódico “Abre Tu Corazón”. Tiene ese regusto a hit de de los 80, solo que con la marca personal que el grupo de Ángel San Juan no puede evitar dar a sus composiciones. El final es un tema tan especial como “Gracias”, que musicalmente juega un papel similar al que jugaba “Mi Madre” para acabar “Destino”, aunque sea una declaración de amor completamente diferente. Un tema experimental con samplers y arreglos sobre los que la voz de Angel suena completamente sentida.

Nunca han engañado a nadie y en ese misma línea sigue la banda. Si hasta aquí no ha sido el grupo de tu vida, puedes estar seguro de seguirán sin serlo. Pero si tienes a Tierra Santa como una de las bandas que van marcando tu camino, aquí te siguen allanando el terreno con una banda sonora que a estas alturas ya es una fiel e inestimable compañera de viaje para todos sus seguidores. No fallan.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)

IZAN BAI

(Dena Galdu Baino Lehen)

8/10

Desde Gipuzkoa emerge Izan Bai como una nueva formación cargada de experiencia por parte de componentes que ya han formado parte de bandas como Hira, Kudai, Soa o Mendeku Itxua. Una banda que retoma el heavy metal más tradicional cantado en euskera, con buena parte de los que podemos recordar de los propios Mendeku Itxua o los primeros tiempos de Hira en su haber. Es decir, que lejos de reinventar un estilo la banda nos fusila 9 temas en este debut con todos los alicientes para encandilar a los clásicos seguidores del heavy metal, siempre con ese regusto particular del euskera, pero sin aditivos y con la nobleza del sonido básico dentro de composiciones excelentemente elaboradas

Ya el primer tema del disco es toda una declaración de intenciones. “Barne Borroka” es una colección de guitarras bien entrelazadas, con unas melodías vocales elaboradas que finalmente desembocan en un estribillo en el que se sube la intensidad para remarcarlo a fuego en tu cabeza. “Izan Bai” tiene un aura mas introspectiva, aunque finalmente también estalla en un tema potente. Mas a fuego entra “Heriotz Minez”, con unas guitarras muy heavies. Ixak regula su voz con una naturalidad pasmosa para abarcar los requerimientos de cada terreno que pisa. Unos terrenos que van oscilando por diferentes tesituras, con una parte recitada que también transmite lo que necesita un tema con mucha carga sentimental. “Damuaren Dama” cambia de tono, siendo un medio tiempo donde unos sutiles acordes nos evocan un aura muy lisérgica, los detalles guitarreros que van rodeando las estrofas son puro sentimiento que adereza la sensación del tema, al final no evitan la caña con unos riffs muy heavies y un gran solo de guitarra en el segundo tramo.

La banda tiene tendencia a dejar crecer las composiciones. De hecho los temas de esta primera parte del disco no bajan de los 6 minutos. La segunda parte se hace más intensa, con un tema que arranca con mucha caña y velocidad como “Sustraiak Egarri”, pero luego es un tema de ritmos cambiantes que en menos espacio sigue manteniendo el dinamismo general de una obra muy entretenida para la escucha. “Sutan Nago” no engaña con su título, ya que es un tema más directo, aunque curiosamente tiene un toque muy rockero y tiene ese elemento adictivo que hace que te estés moviendo a su ritmo sin darte cuenta. Potente es un “Onarpen Eske” de menor cadencia, pero muchísima pegada, aportando siempre algo diferente a la escucha, el riff se hace más oscuro y trhash, pero las melodías vocales son bastante accesibles. “Dudan Dena Zugatik” es una tema de hard rock melódico, incluso cercano al pop, pero es que es la manera de inspirar toda la ternura que inspira. Y el disco cierra con el tema que le da título, entre las notas oscuras de piano y con mucha reflexión, aumentando la intensidad en un estribillo envuelto por toques orquestales. Un cierre distinto y una guinda diferente apara acabar la obra.

“Dena Galdu Baino Lehen” es toda una alegría para aquellos que no quieren que se pierda este espíritu de heavy metal de toda la vida que en Euskal Herria siempre ha tenido proliferación. Izan Bai ponen toda su experiencia previa al servicio de unas canciones de excelente confección, ejecutadas con total sinceridad, sin artificios, pero con capacidad total de captar tanto tu atención como de conquistar ese alma puramente heavy metalera que llevas dentro. Si estuviera dormida ante falta de alicientes de un tiempo a esta parte puede que Izan Bai te la despierten.

ANTONIO REFOYO (antonio@lamiradanegra.es)